Ausdruckskraft der simplen Formen: der Streetart-Künstler Stik

Das unglaubliche an Stiks "Stik People" die seit nunmehr über zehn Jahren an Londons Hauswänden lebendig werden ist ihre Ausdruckskraft. Die androgynen, aufs Äußerste reduzierten Figuren besitzen eine unglaublich eingängige Körpersprache und Mimik. Stik vermittelt mit ihnen die ganze Fülle menschlicher Emotionen und spiegelt an den Wänden des urbanen Raums das wieder, was die Bewohner dieses Raumes tagtäglich bewegt: Freude, Trauer, Nachdenklichkeit, Zwischenmenschlichkeit...

Kunststück der Woche: Die Mobiles und fotorealistischen Teppiche von Pae White

                              


 

                                   
Immer wieder sind es glückliche Momente für mich, wenn ich über Künstler stolpere, die anders sind. Und mich mit ihren Arbeiten, um es ganz konkret zu sagen, einfach umhauen. Dann verliert der Alltag plötzlich seine Alltäglichkeit, denn die Kunst hat Einzug gehalten und etwas bewegt, einen kurzen Moment absoluten Staunes hervorgerufen.

Pae White, geboren 1963 in Passadena, hat genau das geschafft. In ihren Arbeiten verbindet sie Kunst mit modernem Design und lässt die Gattungsgrenzen fließend verschwimmen. Mit modernster Computertechnik schafft sie Trompe l'oeils - Teppiche die vorgeben zerknitterte Folie oder Rauch zu sein - und die den Betrachter mit diesem faszinierenden Verwirrspiel in ihren Bann ziehen. Oder Mobiles, die den Raum mit Irritation zu fluten scheinen.

Gleichzeitig sind ihre Arbeiten von außerordentlicher Ästhetik geprägt, die sie auf einem schmalen Grad zwischen Kunst und Dekorativem schreiten lassen. Diesen Grad jedoch meistert White mit Bravour und schafft damit Arbeiten, die trotz aller Schönheit nicht in die Banalität abdriften.

Einen spannenden Artikel zu Pae White mit weiteren tollen Bildern gibt es hier:
www.art-magazin.de


Abbildungen:
http://www.portlandart.net/archives/2010/03/raw_schema.html
http://moblog.net/view/183071/pae-white-in-no-particular-order
http://blogs.artinfo.com/vanguardism/tag/pae-white/

Wie Alltag zu Kunst wird. Die gesammelten Bildwelten des Hans-Peter Feldmann in den Deichtorhallen in Hamburg

Der Mann kann zaubern. Aus seinem Blick wird Kunst, die nicht nur bereits 1972 auf der Documenta zu sehen war, sondern heute internationale Ausstellungen hat und 2011 den Hugo-Boss Preis des Guggenheim Museum gewann.

Dabei bezeichnet Hans-Peter Feldmann (*1944) sich selbst als Nicht-Künstler. Und hat damit auf den ersten Blick auch recht. Denn seine Arbeit besteht lediglich im Schauen und Sammeln, gelegentlich auch im Fotografieren. Sein Fundus bedient sich aus alten Fotoalben und Zeitschriften, aus privaten Aufnahmen und aus allem, was der Alltag ihm an Eindrücken anbietet.

Gleichzeitig jedoch sieht Feldmann die Welt anders. Wie ein Aussenstehender seziert er die Dinge und begegnet ihnen mit einem Blick, der auch den Betrachter seiener Werke wieder mit den Augen eines Kindes auf die Welt schauen lassen kann. Und plötzlich verwandelt sich die Banalität des Alltags und nimmt einen absurden Zauber an.


       

Da liegt auf dem Parkplatz der Deichtorhallen ein Auto auf dem Dach, ein Papierschiff verändert seine Ausmaße ins Unermessliche und lässt damit den Kindertraum mitzufahren wahrwerden, Schattenspiele zaubern bizarre Welten, übermalte Bilder wecken die Freude am Kanon der Kunstgeschichte, der hier einmal ganz locker daherkommt und einfach nur Spaßmachen will.

Hans-Peter Feldmann holt mit seinen schielenden Bidermeier-Porträts oder klassischen Akten mit Bikini-Abdruck nicht die Kunst vom Sockel. Aber er lässt sie doch ein wenig die steifen Standbeine schwingen und lädt uns zum Mittanzen ein, zu einem Museumsbesuch der an die Kindheit erinnert, in der man die Welt selbst noch sezierte, hinterfragte und die eigenen Eindrücke für sich selbst neu ordnete.

So wie Feldmann ein Pfund Erdbeeren einzeln betrachtet, jede Erdbeere einzeln fotografiert und die Abzüge an die Wand pinnt. Oder aber Eindrücke von zerwühlten Hotelbetten, Frauenknien oder Autoradios sammelt.

Hans-Peter Feldmann: Ein Pfund Erdbeeren

Alles in allem ist diese Ausstellung vor allem anders. Überraschend ist lediglich die Tatsache, dass auf jedwede Titel und Beschreibungen verzichtet wurde. Zwar steht am Eingang ein kurzer Infotext und an den Wochenenden auch ein "Infoguide", doch bleibt es letzlich hauptsächlich Eigenarbeit sich die Ausstelung zu erschließen.

Was Grundsätzlich nicht verkehrt ist, den erklärungsgewohnten Besucher aber doch etwas irritiert und mit dem Wunsch zurücklässt mehr zu erfahren.

Die Ausstellung ist noch bis zum 2. Juni 2013 in den Deichtorhallen zu sehen.

Spannende Artikel zur Ausstellung und zu Hans-Peter Feldmann findet ihr hier:
http://www.deichtorhallen.de
http://www.zeit.de
http://www.art-magazin.de

Bildquellen in Reihenfolge der Erscheinung:
privat
http://purple.fr/diary/entry/hans-peter-feldmann-at-303-gallery-new-york
http://thecollectivearts.blogspot.de/2011/01/one-pound-of-strawberries-by-hans-peter.html

Alte Liebe rostet nicht...

o.T., 2008, Tusche/Acryl auf Papier, 24 x 20 cm

 Das erste Mal gesehen habe ich die Bilder von Esther Naused, geboren 1960 in Hamburg, vor etwa 3 Jahren. Und mich sofort verliebt. Und muss gestehen dass mich die Werke jedesmal wieder aufs Neue begeistern.

Die Arbeiten auf Papier schaffen Tiefe ohne die Regeln der Perspektive zu nutzen und lassen beim Betrachter assoziative Räume und Motive entstehen, wo eigentlich nur Abstraktes zu sehen ist. Sie eröffnen minimalistische Welten, die gleichzeitig von unglaublicher Poesie und Märchenhaftigkeit durchzogen sind.

o.T., 2012

Tusche/Acryl auf Papier, 18 x 14 cm

Denn was auf den ersten Blick nur wässrige Pinselstriche mit Tusche und Acryl sind offenbart beim zweiten Blick lichtdurchflutete Wälder, Parkhäuser, Schluchten mit Wolkenkratzern, den Blick durch einen Türspalt ins Ungewisse ... je nach der Phantasie und Eingebung des Betrachters.

Infos und weitere Bilder gibt es hier:
http://www.esther-naused.de/index.html
http://carolynheinz.de/artist/esther-naused

o.T., 2010

Tusche auf Papier, 8 x 12 cm

o.T., 2009, Tusche auf Papier, 24 x 20 cm

Yoko Ono und die Dematerialisierung der Kunst

Muss Kunst Dingcharakter haben? Oder kann sie auch als bloße Vorstellung existieren? Quasi ein Bild sein, dass erst durch Beschreibung im Kopf des Betrachters entsteht? Ist das dann noch Kunst?

Mit diesen Fragen beschäftigt sich Yoko Ono in ihrem Werk. Den wenigsten sind vermutlich der Umfang und die Bedeutung ihres Schaffens bekannt. Dabei leistete sie wichtige Pionierarbeit für die Fluxus-, Konzept und Performance-Kunst.

Prägend für ihre Kunst ist der Einbezug des Betrachters, durch den das Werk oftmals erst vervollständigt wird. Sie gibt minimalistische, häufig absurde Anweisungen an den Betrachter oder liefert unfertige Bilder, die erst fertig imaginiert werden müssen. Oder setzt ihre Ideen in Klänge um.

Bereits 1972 trat sie auf der Documenta 5 auf. Dennoch würde ihr Werk erst in jüngster Zeit zunehmend gewürdigt. Anlässlich ihre 80. Geburtstags richtet ihr die Schirn Kunsthalle in Frankfurt nun eine große Retrospektive aus.

Und verdeutlicht dabei, dass Yoko Ono jenseits aller Anfeindungen und Kritik die sie erfahren hat, als angeblicher Grund für die Trennung der Beatles und als Witwe von John Lennon, vor allem eins ist: eine ungewöhnliche Frau die ein vielschichtiges und ideenstrotzendes Werk geschaffen hat.

Spannende und informative Artikel zu Yoko Ono gibt es hier:
http://www.schirn.de
http://www.sueddeutsche.de
http://www.art-magazin.de

Marc Quinn - Die Arbeit mit dem menschlichen Körper

Marc Quinn: Iris (We Share Our Chemistry with the Stars) AJ 200L (Dilated), 2009, oil on canvas,
781⁄2 inches in diameter; at Mary Boone.

                                 

Marc Quinn beschäftigt sich immer wieder und auf äußerst intensive Art und Weise mit dem Thema der menschlichen Identität. Dabei geht es ihm vor allem um die Frage, was die menschliche Individualität ausmacht. Diese erforscht er mit großformatig auf Leinwand gebrachte Analsyen seiner eigenen DNA, Skulpturen aus seinem eigenen Blut, riesigen bunten Daumenabdrücken und Skulpturen von möglichst prägnanten, oft auch mißgebildeten Körpern. 

Marc Quinn : Stuart Penn , 63" by 39" by 21" , marble, 2000 

                                               

              

 Auf den ersten Blick mag sich dies alles äußerst suspekt und abstoßend anhören. Faszinierend ist jedoch die Ästhetik die Quinn selbst in diesen Werken zum Vorschein bringen kann. Denn aus reinem Marmor gearbeitet und in absolutem Perfektionismus ausgearbeitet fällt die Andersartigkeit der Körper erst auf den zweiten Blick auf. Gerade hier spielt Quinn ganz gezielt mit den Erwartungen der Betrachter. 

Marc Quinn Internal Labyrinth MQ 180 2011 Oil, acrylic and silicone extrusion on canvas

                                             

Aber auch die eine Pupille, einen Fingerabdruck oder den Abguss seines eigenen Körpers versteht Quinn auf ganz ungewöhnliche Weise zu ästhetisieren. Letztlich lässt er den den Rezipienten nach so intimen Körper- Eindrücken mit gemischten Gefühlen zurück...

Offizielle Hommepage von Marc Quinn: http://www.marcquinn.com/

Bildquellen: 

www.artinamericamagazine.com/reviews/marc-quinn/

http://www.maryboonegallery.com/timeline_exhibs/2003-2004/quinn/detail2.html

http://whitecube.com/news/marc_quinn_at_the_oceanographic_museum_of_monaco/

Neuentdeckung: Gary Card

Ich bin absolut schwer beeindruckt. Eigentlich ist Gary Card im eigentlichen Sinn gar keine Neuentdeckung. Der Set-Designer und Illustrator ist einem rein theoretisch bereits unzählige Male untergekommen. Mit seinen Ideen für die Fotostrecken der Vogue, den Entwürfen von Concept-Stores für Cos oder der Gestaltung von Fashion-Shows etwa für Comme des Garcons. Und dennoch wäre ich nie auf die Idee gekommen, dass sich hinter all dem nur ein Name verbirgt: Gary Card.











Mehr Infos und tolle Filme gibts hier:
http://www.crane.tv/#video/v/211157094692-ed85c228/Gary-Card-
http://lbosquejo.blogspot.de/2010/04/presenting-gary-card.html
http://garycardiology.blogspot.de/2010/04/gigantic-parrot-for-vogue-shot-by-lacey.html
http://www.vogue.it/en/vogue-starscelebsmodels/focus-on/2012/06/gary-card


Bildquellen:
http://lbosquejo.blogspot.de/2010/04/presenting-gary-card.html
http://www.vogue.it/en/vogue-starscelebsmodels/focus-on/2012/06/gary-card
http://garycardiology.blogspot.de/2010/04/gigantic-parrot-for-vogue-shot-by-lacey.html
http://www.vogue.it/en/vogue-starscelebsmodels/focus-on/2012/06/gary-card

Premiere in Hamburg: Affordable Art Fair (15.11.-18.11). Oder: Das Prinzip des nutzerfreundlichen kleinpreisigen Kunstverkaufs

                         

Kunst zugänglich machen, leicht zugänglich machen und dem kunstinteressierten Laien das Gefühl geben: kaufen darf jeder, auch du.

So könnte man ganz grob das Konzept der Affordable Art Fair beschreiben, die vom 15.11.-18.11. das erste Mal nach Hamburg kommt. Sie soll eine Plattform sein für alle, die sich noch nicht oder auch gar nicht zu den par Auserwählten zählen, denen man normalerweise den Erwerb von Kunst zusprechen würde. Denn: hier darf jeder kaufen, jeder soll sich wohl fühlen, jedem wird der Einstieg erleichtert und alles abgeschafft, was dem Käufer ein unangenehmes bzw. hemmendes Gefühl vermitteln könnte...

Kunst-Stück der Woche: Wenn Bilder sprechen...

Uwe Lewitzky, Niemand, 2012. Druck, 297×420cm. Galeria Gudberg - Hamburg

Bildquelle: http://www.redaktion-die-ratgeber.de/home/lifestyle/affordable-art-fair

Skulpturen von Jaume Plensa. Oder: Wie man Poesie Materie werden lässt.

Jaume Plensa, Tokyo Soul (2007)

Entdeckt habe ich Jaume Plensa auf der Art Basel. Fasziniert stand ich dort mehrmals vor seinen Skulpturen, welche gleich von mehreren Galerien gezeigt wurden. Die in den Proportionen kompakten, ja fast schon massigen Plastiken, strahlen gleichzeitig eine so unfassbare Fragilität und Vergänglichkeit aus.

Und sind vor allem eines...

Renzo Piano - Architekt ohne Stil. Oder: wie sich Architektur immer wieder neu erfinden lässt.

Nemo, Amsterdam

Bereits als ich über die Beyeler Foundation berichtet habe musste ich feststellen dass ich mit dem  Architekten, Renzo Piano, eigentlich wenig anfangen kann. Der Name ist bekannt, klar, aber was verbirgt sich dahinter?...

Absolut sehenswert: moderne Zeichnung bei Feinkunst Krüger, Hamburg

Viel mehr kann ich nicht dazu sagen, da hat schon jemand die perfekten Worte gefunden:

httwww.gallerytalk.net/2012/10/meister-des-schnellen-strichs-moderne-zeichnungen-bei-feinkunst-krueger

Die Ausstellung ist noch bis zum 27. Oktober zu sehen. Infos unter www.feinkunst-krueger.de